Après une formation en économie-sociologie à l’Université Toulouse II Jean-Jaurès, je me suis d’abord tourné vers le design et l’artisanat à l’ISCID. Je me suis ensuite orienté vers la photographie en intégrant l’École Supérieure des Arts de l’image, le 75. J’y ai développé une pratique documentaire, où mon intérêt pour l’image et ses enjeux contemporains se mêle à une démarche d’enquête et de recherche, le tout étant principalement orienté autour de thématiques sociopolitiques.

André de Castelbajac est conservateur-restaurateur indépendant spécialisé dans les supports bois des peintures et le mobilier. Installé à son compte depuis 2018, il intervient auprès de musées et institutions culturelles de premier plan en France, Belgique et Pays-Bas, mais aussi en Éthiopie et en Ouzbékistan. Son expertise couvre l'ensemble du spectre de la conservation-restauration : diagnostic et étude préalable, conservation préventive, interventions sur les œuvres, rédaction de rapports scientifiques, gestion logistique et administrative de chantiers. Il travaille régulièrement en groupement avec d'autres spécialistes sur des projets pluridisciplinaires.
André est également co-responsable de l'atelier bois au sein des Îles Mardi et développe une activité parallèle de fabrication d'objets et de mobilier en bois mais aussi d'outils spécifiques à la restauration des oeuvres, de cadres sur mesure, de caissons climatiques, de caisses et boites de manutention et de transport des œuvres.

Antoine Woodhouse (né 1991) vit à Bruxelles mais a grandi entre Toulouse et les Pyrénées. Il tatoue depuis 2013 en autodidacte. Son travail émane de cette enfance passée entre les collines du piémont pyrénéen. L’imagerie qu’il crée est rempli de paysages imaginaires, de personnages folkloriques. Une ode aux rochers, aux insectes, aux arbres et aux cabanes.

Sa pratique se situe entre digital et analogique, où les outils assistés par ordinateur sont mis au service de la technique artisanale. Il développe des objets et dispositifs lumineux mêlant travail du bois, image et lumière. Il explore également le métal, le verre et la céramique, en cherchant à multiplier les supports illustratifs. Son travail s’appuie sur une approche transversale, attentive aux processus de fabrication et à la recherche d’un équilibre entre objet fonctionnel, décoratif et objet d’art.

Je m'appelle Antoine Moustie et ma pratique interroge la peinture en tant qu’objet issu d’un processus plutôt qu’en tant qu’image finie. J’explore minutieusement chaque élément qui la compose, le châssis, le tissu, les cadres, les pièces de serrage etc.. afin révéler leur rôle dans la construction de l’œuvre. En déconstruisant la vision traditionnelle d’une peinture comme simple résultat final, je mets en lumière la complexité des gestes, des interventions et des étapes qui la façonnent. Mon travail instaure une logique de correspondance entre ces éléments souvent invisibles, leur redonnant une place centrale dans la perception de l’œuvre. Je conçois la peinture comme une archive des actions et décisions qui lui donnent forme, un objet perméable où chaque composant est créateur de sens. En révélant ce qui est habituellement occulté, je cherche à faire émerger une compréhension renouvelée de la peinture, non comme sujet unique, mais comme ensemble vivant d’interactions et de matérialités.

Enfant des années 90, Sitoze fait partie de cette génération qui a vu naître internet. Bercé par le graffiti, il développe aujourd'hui un travail de l’image sur divers territoires, en sautant d’une technique à l’autre. De la peinture au digital en passant par le textile et le volume, il perfectionne ces pratiques transversales. Captivé par les arts émergents, il avance en mêlant références classiques et courants modernes. Son travail se caractérise par une imagerie floue, où les références à Internet et moments du quotidien apparaissent comme des vestiges fugaces, semblables à des souvenirs. Ses créations évoquent des sentiments de nostalgie et suscitent des réflexions sur la nature éphémère du présent. Figé par les thèmes de l’époque, Sitoze cherche inconsciemment à se débarrasser de toute formation académique pour faire de l’art librement, avec les outils qui fonctionnent le mieux.

Après un master en Histoire de la photographie à Lyon II, Cannelle Grosse poursuit ses études à l’ERG en Pratique Graphique Expérimentation Scientifique où elle soutiens son mémoire sous la direction de Gilbert Fastenaekens et Alexis Zimmer. Elle mène depuis une recherche plastique, politique et poétique autour du paysage et de ses usages et des spectres qui l'habitent. Elle a participé à plusieurs expositions et éditions collectives, dont les projets Homo Spectator (2023) et Walter Benjamin, Destins critiques (2025).

Je crois que les images ont commencé au seuil — façon de garder une présence quand le corps ne le peut plus.
Je travaille à partir d'images collectées, trouvées, lues, mémorisées — des images qui précèdent le geste et qui l'orientent sans qu'on sache bien comment. Je les accumule, les archive, vis à leurs côtés avant de leur donner une forme. Peintures, dessins, objets, textes : les mêmes motifs migrent d'un médium à l'autre, comme si l'image résistait à se fixer dans une forme unique. Ce qui m'intéresse, c'est notre rapport affectif aux images — ce qu'elles font, et pas seulement ce qu'elles montrent. Peindre, perforer, poncer, extraire : des gestes qui représentent l'image et qui lui répondent. Pas une progression, plutôt un retour — tourner autour, revenir, insister. Ce qui émerge lentement, ce sont des espaces où l'image reste en jeu — jamais résolue. Les images sont à la fois ma matière et mon malaise. Je les peins, les ingère — et pourtant je m'en méfie. Elles possèdent une vie qui dépasse l'intention, un pouvoir qui n'appartient à personne. Ce pouvoir, on l'a tous connu — avant d'apprendre à faire semblant que non. Elles ne nous appartiennent pas ; elles choisissent leurs lieux, elles passent, elles persistent. L'amour mêlé de suspicion que j'éprouve à leur égard n'est peut-être que la preuve qu'elles ont trouvé où se poser. Qu'elles sont passées par là.

Né à Paris en 1991, Corentin Laurens est un artiste pluridisciplinaire qui développe un univers poétique, flirtant avec le surréalisme. À la fois artiste plasticien et concepteur/designer, il déploie sa pratique autant sur de la création artistique que sur des meubles et objets usuels. Inspiré par les savoir-faire artisanaux, il se sert de la matière et de la technique pour donner naissance à des formes et des scènes singulières, qui à travers leurs existence amènent à une rencontre ludique avec le spectateur. Peinture, sculpture, marqueterie et céramique s’entremêlent pour créer des compositions où objets domestiques, corps et végétaux se chargent d’une dimension onirique.

Corentin Mahieu (CoMa) est designer et scénographe basé à Bruxelles, où il développe son travail aux îles Mardi.
Il y contribue au pôle céramique dans une dynamique collective.
En parallèle, il développe au sein de Bento architecture des projets de design, de recherche et de scénographie.
Sa pratique s’inscrit dans une approche post-industrielle, attentive aux liens entre matière, transformation et modes de production.
Il travaille en collaboration avec le vivant, en particulier le mycélium, en laissant émerger des formes issues de processus organiques.
Sa démarche, pluridisciplinaire, se construit en lien avec les contextes, les matériaux et le vivant.
Ses projets prennent forme dans une relation directe à ces éléments, entre intention et ajustement.
Il s’intéresse aux équilibres fragiles, aux états instables, aux formes en devenir.
L’expérimentation guide son travail, qu’il envisage comme un processus en constante transformation.

Née à Marseille en 1989, Déborah Claire est une artiste visuelle, curatrice indépendante et chercheuse en art, vivant et travaillant entre Bruxelles et Anvers. Métisse franco-guyano-martiniquaise, diplômée en photographie, elle développe une pratique hybride mêlant photographie, vidéo, écriture, recherche et commissariat. Son travail s’ancre dans une perspective féministe et décoloniale, autour des corps, de leur représentation et des politiques du soin. Elle interroge la manière dont les normes esthétiques et les héritages coloniaux façonnent nos récits et nos regards, et cherche à construire des contre-récits incarnés, sensibles et puissants. Elle a exposé à Paris, Bruxelles, Anvers, Gand, et a travaillé comme assistante curatrice au FOMU, Musée de la photographie d’Anvers en Belgique.

Dis Mon Nom est une plateforme curatoriale nomade, féministe et intersectionnelle, co-fondée par deux amies, Déborah Claire et Erell Hemmer, photographes et curatrices.
Notre collective est née de cette amitié, du besoin de s’unir pour être plus fortes ensemble. À travers des expositions, des conversations, des rencontres et des événements hybrides, Dis Mon Nom est un espace d’échange, de monstration et de visibilisation pour des récits souvent minorisés ou silenciés.

Emma est basée à Bruxelles et travaille dans le spectacle vivant depuis une dizaine d’année en tant que créatrice lumière et régisseuse. 
Aux iles mardi, sa pratique artistique s’articule essentiellement autour du textile, inspirée du collage, où elle joue avec les effets et couleurs de matières principalement récupérées pour créer des compositions abstraites.
La notion d’archivage a une grande importance dans sa démarche, Emma s’amuse à collecter des matières généralement anodines et désuètes pour les retravailler. 
Ces collections ont quelque chose de presque obsessionnel : souvent empreintes de souvenirs, Emma tente de figer des moments ou instant T telle une capsule temporelle. 
Emma s'intéresse également à l'édition et amasse beaucoup de textes dans son téléphone.

Emmanuel Bérard est architecte de formation, dont la pratique s’est progressivement affranchie des cadres traditionnels pour explorer des territoires plus libres et sensibles. Son travail oscille aujourd’hui entre l’aménagement intérieur, la création de mobilier singulier et le design d’objets usuels, dans une approche où chaque projet devient un terrain d’expérimentation.

Artisan avant tout, il façonne lui-même chaque projet, du dessin à la mise en œuvre. Bois, métal et céramique composent son vocabulaire. À la croisée de l’architecture et du design, ses réalisations cherchent un équilibre entre fonctionnalité, simplicité et expression, révélant la richesse des matériaux et la justesse des formes.

Née en 1991, Erell Hemmer est photographe et curatrice, entre Bruxelles et la Bretagne. Diplômée en design graphique (LISAA-Rennes) et en photographie documentaire (ESA Le Septante Cinq, Bruxelles), elle explore les thèmes du deuil et de la mémoire. En 2016, elle lance son projet Pourquoi suis-je incapable d’aller sur la tombe de mon père ?, qui se verra exposé lors de la restitution de sa résidence artistique à l’Institut Français de Surabaya en Indonésie et à la maison Pelgrims à Bruxelles dans le cadre d’une exposition pour Parcours d’Artistes 2022. En collaboration avec la maison d’édition Macaronibook, elle donne forme à ce voyage introspectif en publiant un livre photo du même nom. Depuis 2023, elle poursuit cette réflexion avec À jamais fleurie, mêlant photo, écriture et archives. Elle y interroge les normes sociales liées à la mort, et cherche à créer une mémoire vivante, loin des injonctions. Ses œuvres croisent résilience, métamorphose et ce qui reste après la perte.
En 2021, elle cofonde avec Déborah Claire le collectif Dis Mon Nom, une plateforme curatoriale nomade qui organise des événements hybrides.

Toujours interpellé par les signes graphiques de nos espaces communs, j’ai aiguisé un œil sensible à mon environnement. Chaque forme, chaque objet, chaque lettre a un potentiel de simplification. Les émanciper de leur environnement, c’est les inviter à écrire une nouvelle histoire. Une histoire qui semble familière et dont la forme abstraite apparaît comme une découverte visuelle. Ma pratique artistique s’agite autour de ces aventures narratives. L’expérimentation, le jeu comme la couleur peuvent être des moteurs à la création lors de projets collectifs. La transversalité de la création en groupe est pour moi une façon d’apprendre en permanence.

L'univers de Fleur de développe dans la pratique de la sculpture, la gravure et la céramique. À travers la création d’automates en bois, elle mêle influences éclectiques, imaginaire surréaliste et humour pour créer de petites mécaniques singulières, entre poésie, érotisme et absurdité. Sa pratique de la gravure s'inspire de l'esthétique médiévale, produisant des grivoiseries facétieuses. Quant à son travail de céramique, il est peuplé de gargouilles et d'amulettes, explorant les liens entre objets quotidiens et sacrés. Fleur est également professeure d'art plastique.

Garine Gokceyan (n.1993, Beyrouth) est graphiste indépendante et chercheuse basée à Bruxelles. Ses projets multidisciplinaires ainsi que ses recherches portent sur les identités, les langues, la politique du design, les archives et la création de ressources collectives. Elle explore les dynamiques de pouvoir entre les systèmes d’écriture dominants et sous-représentés, cherchant des moyens de les naviguer. Actuellement doctorante à Sint Lucas Antwerpen et à l'Université d'Anvers (ARIA), elle mène un projet de recherche intitulé «Exploring the diasporic life of the Armenian script : A multiscript laboratory».

Greta oto est un papillon discret aux ailes de verre et le nom choisi pour la collaboration entre Eva Lambert et Alice Cadillon. Ensemble, elles s’intéressent à la façon dont les idées circulent et cherchent des formes nouvelles et poétiques d'adresse, de partage et d'échange. Elles discutent pendant des heures, fouillent les archives, arpentent le web, dessinent et redessinent. Elles détournent des formes, des objets, des gestes, pour éventuellement se retrouver à façonner un livre, coder un site internet, imprimer sur des serviettes de table ou coudre ensemble un grand rideau.

Il fera découvrir son univers par le street-art en recouvrant les murs de Paris et de Bruxelles de ses fresques colorés et de ses petits personnages urbains, ou plus récemment au travers d’une fresque murale pour la ville d’Anderlecht intitulée « Chemins de Vie ». À travers ses illustrations, une véritable jungle urbaine prend vie sous nos yeux, dans un style à la fois street et comics. Hedi Baka s’appuie souvent sur ses œuvres pour distiller des messages et porter un regard décalé sur le monde qui l’entoure.

Hidden Brillaud est un duo d’artistes qui peignent ensemble depuis sept ans.
Jade Hidden (1991) a étudié à La Cambre – École nationale supérieure d’arts visuels à Bruxelles.
Manuel Brillaud (1973) a étudié à l’École nationale des arts décoratifs de Paris.
Dans une pratique collective, il y a toujours une forme d’assimilation et de compromis. Il faut trouver le moyen de créer quelque chose de nouveau, de personnel, et qui ait été décidé par les deux.
Mais la majorité ne peut pas toujours être acquise. Il faut fixer des étapes, laisser la place à l’autre et trouver la sienne. Travailler en présence de l’autre et avec lui, et travailler en son absence. Dans notre cas, l’autre n’est pas le modèle à peindre, mais peut être un modèle à suivre.

Né en 1990, Jérémie Bobel est un artiste interdisciplinaire qui vit entre Bruxelles et Paris. Inspiré par la culture populaire et la question du langage commun, il privilégie une pratique collective et axée sur l'échange. Il cherche à explorer les paradoxes dans lesquels s'enferment nos vies sociales : exprimer une histoire profondément personnelle à travers un langage générique et impitoyable.

Photographe documentaire de formation, mon esthétique se caractérise par une légèreté de ton, une palette chromatique vive et un usage du flash qui écrase l’instant. Ce choix stylistique instaure un décalage ironique entre le sujet documenté et sa représentation.
À travers ma série Tumbleweeded, j’utilise la forme d’un album de voyage pour interroger les mythes contemporains et le fantasme de la culture populaire américaine. Ce projet explore notre rapport complexe aux images construites par les médias et par Hollywood.
Je me spécialise aujourd’hui dans la documentation pour artistes, en capturant leurs processus créatifs avec la même rigueur esthétique et la même profondeur narrative qui définissent mon travail personnel.

Je m'appelle Jules Bouchier-Végis alias Jules Belvega, je suis artiste sculpteur, je vis et travaille à Bruxelles. J'ai fondé JLBV Studio sous lequel je développe une pratique à la frontière de la sculpture et du mobilier. Mes œuvres prônent une esthétique néo-organique et résistent à la tyrannie de la ligne droite imposée par le monde industriel. Animé par une force maximaliste et une vulgarisation du baroque, je tente d'extraire de nouvelles réalités à travers l'exploration de vocabulaires plastiques expérimentaux.

Laurent Mbaah est un artiste transdisciplinaire naviguant entre l'installation et les arts visuels et graphiques. Son travail trouve racine dans des fictions d'empouvoirement afro-diasporiques, interrogeant le rapport à la mémoire, aux imaginaires et aux futurs alternatifs à travers des créations imprimés, numériques et sculpturales.

Les Chantiers Battus est un collectif d'architectes et constructeur.ices engagé dans la fabrique citoyenne et écologique de la ville. Notre travail se structure autour de deux pôles d'activité : 
- le premier est l'accompagnement des citoyen.nes, des pouvoirs publics et du secteur socio-culturel dans la réapporpriation de l'espace public, à travers des chantiers participatifs de construction. L'échelle des projets couvre autant le mobilier urbain que la signalétique, l'aménagment intérieur ou la micro-architecture.
- le second pôle est l'accompagnement des particuliers à l'auto-rénovation (ARA) de leur logement. Cet accompagnement prend la forme de conseil individualisé en amont du chantier (préparation logistique, budget, planning, plans) puis l'organisation de formations à la réalisation de certains postes sur chantier.

Malou est une artiste textile basée à Bruxelles. Elle y a étudié l’illustration avant de bifurquer vers une formation tapisserie aux beaux-arts. Sa pratique s’oriente autour du vécu et des souvenirs, avec une approche résolument figurative.
Elle travaille la laine et la soie essentiellement, et le vitrail plus récemment. Née et élevée en Bretagne, Malou accorde une importance capitale aux objets, qu’elle considère souvent comme des totems chargés de sens particuliers. Cette thématique est récurrente dans ses créations, tout comme sa maîtrise de la couleur, directement inspirée de l’enfance et de l’imaginaire. Parallèlement à ses œuvres visuelles, elle développe une pratique d’écriture qui célèbre les détails du quotidien.

Relieuse d’art et courante, je réalise all kind of paper goods pour des artistes, designeurs, galeries et particuliers — livre, coffret, papeterie, etc. À la suite de mes études à la Cambre, je me suis lancée dans la reliure en co-fondant avec un typographe un studio de design éditorial. En parallèle, j’ai nourri cette pratique d’une expérience de 3 ans au sein d’une imprimerie bruxelloises. Cela m’a menée à continuer aujourd’hui mon activité de relieuse seule, avec toujours avec précision et sensibilité, entre sobriété et légère kitscherie.

Formée aux pratiques de l'image imprimée en France, en Belgique et en Allemagne, Marine Penhouët (1989) développe une démarche pluridisciplinaire où aucun médium ne prévaut. Elle navigue entre dessin, impression argentique, peinture, sculpture, écriture et montage sonore, attentive à la manière dont les images persistent, se transforment et communiquent au-delà de leur propre matérialité. Son travail s'appuie sur des processus de répétition, de déconstruction et d'assemblage, héritiers autant des reliques du passé que du romantisme punk, du psychédélisme ou du symbolisme. La fragmentation occupe une place centrale : par le collage et le cut-up au sens burroughsien, elle interrompt la continuité du récit pour faire émerger d'autres possibles. Cette approche résonne avec la figure de Sainte Lucie, dont l'exemple illustre la fidélité à une vision intérieure. Elle porte ses yeux hors de son corps, sur un plateau, comme si elle cueillait une fleur. La vision existe indépendamment de l'observateur. Comme une clairvoyance symbolique, cette influence traverse sa pratique, où chaque fragment, chaque réagencement agit comme un acte de révélation. Ses installations, souvent réalisées in situ, fonctionnent comme des constellations d'artefacts, de fétiches et de paysages en plans, établis ou imaginés, explorant la mémoire, souvent kafkaïenne, l'idée de réalité et l'archéologie visuelle. En interrogeant la charge affective, le non-visible et la persistance des images, elle crée des espaces où l'illusion n'obscurcit jamais mais ouvre une perception (ultra)sensible. Quel est le son d'une image lorsque l'on ferme les yeux ?

Je suis artiste peintre muraliste, je réalise des peinture de grandes envergures sur des murs/sols/plafond en intérieurs et extérieur. J’ai aussi une pratique de peinture en atelier sur toile et papier qui vient nourrir l’univers de mes fresques.

Raphael Rizzo est un artiste interdisciplinaire australien basé à Bruxelles, dont la pratique explore les notions de culture et de communauté à travers le langage de l'iconographie et du symbolisme.
En mettant l'accent sur le processus et la matérialité, sa pratique examine les relations que nous tissons entre les objets et leur signification à travers nos expériences vécues, s'intéressant à la frontière floue entre la fonction et l'esprit pour explorer comment ces relations façonnent la compréhension que nous avons de nous-mêmes.

Robin Divrande (1992) est un artiste pluridisciplinaire qui explore les frontières entre la peinture, l’illustration, la céramique et l’installation. Son travail s’ancre dans l’univers des friches, des refuges et des cabanes — des espaces intermédiaires où la nature et l’humanité coexistent dans un équilibre précaire mais fertile.

À travers ses peintures et illustrations, Robin interroge ce qui émerge des lieux abandonnés : des espaces de collaboration, de biodiversité et des refuges où se rencontrent fragilité, motivation et liberté. Son imaginaire, nourri par la faune, la flore et des vestiges oniriques, s’exprime dans un style riche et fantastique. Ses œuvres révèlent un univers foisonnant de détails, où l’architecture du vivant fusionne avec des formes organiques et fluides, dans une narration visuelle ludique, empreinte de douceur et de fantaisie.

Ses créations capturent la poésie du vivant, des paysages où l’organique et le bâti se mêlent pour donner naissance à des territoires oniriques.

Née en 1989 à Paris, Sabira Bouflah - de son nom d’artiste Sabibiche - est une artiste textile 
autodidacte qui explore les formes et la couleur à travers différentes techniques: le tufting, 
l’illustration et le collage.
Installée à Bruxelles depuis 2012, elle est diplômée d’un Master en Arts plastiques, visuels et de 
l’espace. Elle explore le tufting depuis 2019. En 2023, elle publie Apprendre le tufting aux éditions 
Créapassions et développe des ateliers d’initiation à cette pratique. Elle est résidente des Îles Mardi depuis 2022.
Son travail explore les relations entre couleur, forme, texture et volume à travers l’illustration et la tapisserie.
Son approche s’apparente au collage et à l’illustration, mais avec un médium vivant et tactile : la laine. À travers la technique du tufting, elle compose, dessine et sculpte la matière. Le volume occupe 
une place centrale dans sa pratique : elle modèle la laine, la creuse ou la taille pour créer des formes en relief qui dialoguent avec l’espace.
L’illustration constitue à la fois un terrain de recherche autonome et un support essentiel à sa 
pratique textile. Ces deux disciplines se nourrissent mutuellement et lui permettent de transposer 
son univers pictural sur la toile.

Je suis Lucas AKA Semiorka AKA 220, aspirant créateur, peintre, et tout le reste.
Je compose, j’assemble, je mix, les médias comme les inspirations.
Tout baigne dans une mélancolie, une vie en réseau passé remplis de références à la culture qui m’a vu grandir, et des histoires qui m’ont formé.

Designer graphique basé à Bruxelles (BE) et Chaumont (FR), développant des projets d'affiche, d'édition, d'identité visuelle, de site internet et de typographie. Inspiré aussi bien du design graphique suisse que des mouvements contemporains et expérimentaux, il expérimente les compositions typographiques et les superpositions de couches. Il étend ainsi un répertoire esthétique et théorique singulier. Il travaille également sur deux projets distincts. Le premier est un projet de recherches issus de l'univers du football et du supporterisme, focalisés sur l'aspect hors du terrain, et les dessous de ce sport. Le second est un projet prenant source au sein des paysages montagneux, des sports issus de cet environnement ainsi que du montainwear.

Tommy Lhomme Né à Toulouse en 1991, vit et travaille à Bruxelles.
Dans une quête constante pour représenter de manière sensible le monde (parfois figurative, souvent abstraite) le travail de Tommy Lhomme se distingue par ses solutions formelles et synthétiques des choses qui nous entoure.
En explorant le concept de paysage à travers une multitudes de dessins numériques qu’il retranscrit dans divers médiums tels que la peinture, le tufting et la vidéo, il examine sa dynamique ainsi que ses limites, fondées sur nos suppositions de ce que le paysage signifie pour nous.
Fleurs, chevaux ou éléments du quotidien (parfois entremêlés) deviennent autant de prétextes pour créer de nouvelles images, de nouveaux fragments de paysage.

Toms la sauce, peintre du jeudi, du vendredi et surtout du samedi, le reste de la semaine j'explore de nouveaux médium d'impression. Toujours en quête de pratiques inédites, j'aime expérimenter tout ce qui permet de donner vie à mes dessins, en leur apportant volume et texture, notamment à travers la céramique ou le tufting.

Venant du milieu de la bande dessinée mais ayant pris un tournant vers la céramique il y'a une dizaine d'années, je me considère maintenant principalement céramiste.
Je travaille, entre autres, sur une série d'amphores que je décors avec des motifs, dans le but de les exposer.
Je donne également des cours dans un atelier privé.
Malgré cela je ne considère pas avoir abandonné le dessin qui reste une pratique qui me tient à cœur.